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18. Impacto indireto do teatro épico
(Extratos das Notas para Die Mutter [A mãe])
Escrito no estilo das peças didáticas, mas exigindo atores, Die Mutter [A Mãe] é uma peça de drama antimetafísico, materialista e não aristotélico. Este não faz nada como um uso tão livre quanto o aristotélico da empatia passiva do espectador; também se relaciona de maneira diferente com certos aspectos dos efeitos psicológicos, como catarse. Assim como se abstém de entregar seu herói ao mundo como se fosse o seu destino inevitável, por isso não sonharia em entregar o espectador para uma experiência teatral inspiradora. Ansioso para ensinar ao espectador uma atitude prática bastante definida, voltada para a mudança do mundo, ele deve começar fazendo-o adotar no teatro uma maneira bem diferente do que ele está acostumado. A seguir estão alguns dos meios empregado na primeira produção de Die Mutter [A Mãe] em Berlim.
Na primeira produção de Die Mutter, o palco (Caspar Neher) não foi o impacto direto que deveria representar qualquer localidade real: como foi no palco épico, uma atitude em relação aos incidentes mostrados; citou, narrando, preparando e lembrando. Sua escassa indicação de móveis, portas, etc. limitou-se a objetos que tiveram parte na peça, ou seja, aqueles sem o qual a ação teria sido alterada ou interrompida. Um arranjo firme de tubulação de ferro ligeiramente mais alta do que um homem foi erguido em intervalos variados perpendicularmente ao palco; outros tubos horizontais móveis vasos podiam ser encaixados nele, e isso permitia mudanças rápidas. Lá havia portas em molduras penduradas dentro disso, que podiam ser abertas e fechadas.
Uma grande tela na parte de trás do palco foi usada para a projeção de textos documentos pictóricos que permaneceram ao longo da cena, para que este a tela também fazia praticamente parte do cenário. Assim, o palco não apenas é usado para alusões para mostrar salas reais também textos e imagens para mostrar o grande movimento de idéias em que os eventos estão ocorrendo. As projeções não são de forma alguma um mecanismo puramente mecânico, no sentido de serem extras, eles não são pons asinorum; eles não pretendem ajudar o espectador, mas bloqueá-lo; eles impedem sua completa empatia, interrompem seu ser automaticamente e são levados a desaparecer. Eles transformam o impacto em indireto . Assim eles são orgânicos às partes da obra de arte.
O teatro épico usa os agrupamentos mais simples possíveis, como expressar o sentido geral do evento épico da categoria. Chega de 'casual', 'realista', 'uno [retrato forçado 'agrupamento; o palco não reflete mais a 'natural' desordem das coisas. O oposto de disordem natural visa: natural ordem. Esta ordem é determinada a partir de um ponto de vista histórico-social. O ponto de vista a ser adotado pela produção pode ser feito de maneira mais geral inteligível, embora não adequadamente caracterizado, se o chamarmos de gênero pintor e historiador.
[Incidentes específicos na segunda cena da peça teatral estão listados na no rol, que foram trazidos pela produção e apresentado separadamente. Estes, diz Brecht], deve ser retratado de maneira tão enfática e significativa quanto qualquer episódios históricos, embora sem sentimentalizá-los. Neste teatro épico que serve um tipo de drama não aristotélico, o ator irá ao mesmo tempo fazer tudo o que pode para se fazer observar em pé entre o espectador e o evento. Este fazer-se-observado também contribui para o desejado impacto indireto.
Aqui estão alguns exemplos do que a atuação épica trouxe à tona, como mostra a parte da atriz que criou o papel (Helene Weigel): uma descrição de Eu fiz na primeiro cena uma cena, a atriz estreará em uma atitude particular caracacteristica no centro do palco, e falou as sentenças como se estivessem na terceira pessoa; e então ela não apenas se absteve de fingir de fato ser ou reivindicar ser Vlassova (a Mãe), e de fato, estar falando essas frases, mas na verdade impediu o espectador de se transferir para uma sala em particular, como hábito e indiferença poderia exigir, e imaginando-se ser a testemunha ocular invisível e bisbilhoteira de uma ocasião íntima única. Em vez disso, o que ela fez foi para apresentar ao espectador à pessoa a quem ele estaria assistindo agindo e sendo posta em prática por algumas horas.
5. A Demonstração do dia de maio foi falado como se o participantes fossem antes de um policial-judicial, mas o fim do ator interpretando Smilgin indicou, indo para baixo em seus joelhos; a atriz que interpreta a mãe então inclinou durante suas palavras finais e pegou um que estiveste escorregado da suas mãos .
6 . . . . A cena em que a Mãe e outros trabalhadores aprendem a ler e escrever é um dos mais difíceis para o ator. Risada do público tem em uma ou duas frases não deve impedi-lo de mostrar como é difícil o aprendizado é para o velho e inadaptável, alcançando assim a estatura do real evento histórico, o fato de uma proletaria que tinha sido de explorada e que fora restrita a trabalhos fisicos foi capaz de socializar oconhecimento e expropria o intelectual burguês. Este evento é para não ser ler 'entre as linhas'; é direto e afirmativo. Um lote de nossos agentes, quando assim tem a direção em uma cena, vai ao mesmo tempo olhar lá para algumas coisas menos direta que eles podem representar. Eles caem sobre o que é ‘inexpressível’, entre as linhas, porque chama para os seus dons. Tal abordagem podem e expressar parecem, e é, portanto, prejudicial. . . .
7. O grupo tem para discutir seu trabalho revolucionário com seu filho sob o meu nariz: ela engana o guarda da prisão por despistá-lo e o que parece para ele a atitude inócua e comovente da severa Mãe. Ele encoraja sua própria simpatia inofensiva. Portanto, este exemplo é de um quilate novo e ativo tipo de amor da Mãe é ela mesma explorando seu conhecimento da velha e familiar tipo desatualizado. A atriz mostrou que o outro está bastante ciente do humor da situação. . . .
9. Em cada caso ela escolheu, dentre todo as características concebíveis, aqueles da consciência que promovem o tratamento político mais abrangente de Vlassovas (isto é, especial, individual e único), e como ajuda a própria Vlassovas em seu trabalho. Era como se ela estivesse agindo para um grupo de políticos - mas não menos que uma atriz para isso, e dentro do quadro da arte.
O espectador é considerado aqui confrontado com imagens de homens cujas "originais” ele tem que lidar com - ou seja, fazer e agir – um drama preliminar, como tipificado por não se poder tratar como um exatamente um eterna Mãe em determinado fenomeno . Seu dever para com os semelhantes consiste em variando-se com os fatores determinantes. Neste dever, o drama deve ajudar. Os fatores determinantes, como fundo social, eventos especiais eventos etc. devem ser mostrados como alteráveis. Por meio de um certo intercâmbio de capacidade das circunstâncias e ocorrências, o espectador deve receber a possibilidade (e dever) de montar, experimentar e abstrair. Entre as diferenças que distinguem indivíduos um do outro, há bastante específicos que interessam ao ser político que se mistura com eles, lutas com eles e tem que lidar com eles (por exemplo, aqueles que os chefes da luta de classes precisa saber). Não faz sentido ele tirar um dado ao homem todas as suas peculiaridades até que ele permaneça lá como Homem (com um capital M), ou seja, como um ser que não pode mais ser alterado. O homem tem que ser entendido em seu papel como destino do próprio homem (do espectador). Tem que ser uma definição viável.
Ao exigir um impacto direto, a estética do dia exige um impacto "Direto", que nivela todas as distinções sociais e outras entre achatamento, indivíduos de impacto. As peças do tipo aristotélico ainda conseguem aplainar conflitos de classe dessa maneira, embora os próprios indivíduos estão se tornando cada vez mais conscientes das diferenças de classe. O mesmo resultado é alcançado quando conflitos de classe são objeto de tais peças, e até mesmo nos casos em que tomam partido para uma classe específica. Uma entidade coletiva é criada no auditório para a duração do entretenimento, com base da 'humanidade comum' compartilhada por todos os espectadores. Drama do tipo não aristotélico de Die Mutter não está interessado no estabelecimento de tal entidade. Ele divide seu público.
Uma das principais objeções feitas pelas críticas burguesas aos não-aristotélicos é a resistência a peças como Die Mutter se baseia em uma atitude igualmente burguesa de distinção entre os conceitos 'divertido' e 'instrutivo’ como útil '. Nesta visão, o Die Mutter é possivelmente instrutivo (se apenas para uma pequena parte do público potencial, continua o argumento), mas definitivamente não é divertido (nem mesmo para esta pequena seção). Existe um certo prazer deixar de olhar mais de perto essa distinção.
Por mais surpreendente que pareça, o objetivo é desacreditar o aprendizado apresentando como não é agradável. Mas, na verdade, é claro que é o prazer que está sendo creditado por essa sugestão deliberada de que ninguém aprende nada com isso. Só precisa olhar em volta e ver a função atribuída à aprendizagem na sociedade burguesa. Isso equivale à compra de itens materialmente úteis de conhecimento. A compra deve ocorrer antes que o indivíduo entre no processo de produção. Seu campo é a imaturidade. Admitir que ainda estou incapaz de algo que faz parte da minha profissão, em outras palavras, me permitir ser pego aprendendo, é equivalente a confessar que sou inadequado para enfrentar a concorrência e que não devo receber crédito. O homem que vem ao teatro para 'diversão' se recusa a se deixar ser "tratado como um estudante" mais uma vez, porque ele se lembra do medo de acordo com os quais o 'conhecimento' costumava ser martelado na juventude da burguesia. Coisas difamatórias estão sendo ditas sobre a atitude do aluno.
Do mesmo modo, a maioria das pessoas começou a desprezar o útil e o instinto para o útil desde que os homens começaram a fazer-nos uns aos outros exclusivamente por meio de truques secretos. Atualmente, o utilitário deriva apenas do abuso dos semelhantes.
[Do versudte 7, Berlim , 1933. Corta conforme indicado abaixo]
Nota:
Die Mutter, baseado no romance A Mãe de Gorki, foi dado no Teatro Schiffbauerdamm em 17 de janeiro de 1932. Essas notas, tiradas aqui desde o primeira edição da peça, foram posteriormente expandidos para lidar também com a produção de Nova Iorque de 1935.